“Of all man’s instruments, the most wondrous, no doubt, is the book. The other instruments are extensions of his body. The microscope, the telescope, are extensions of his sight; the telephone is the extension of his voice; then we have the plow and the sword, extensions of the arm. But the book is something else altogether: the book is an extension of memory and imagination.” (Jorge Luis Borges)
Gramma_Epsilon – Books as Art (Athens)
From June 15th to October 20th, Gramma_Epsilon Gallery in Athens presents the group exhibition “Books as Art” curated by Paolo Cortese. The exhibition, dedicated to the book as a form of art, showcases works of female artists from different generations and nationalities. Concrete and verbo-visual works that date back to the 1960s are placed in a dialogue with works by artists of later generations who continue to explore the multiple possibilities of the book as an expression of their art.
In the terminology established by Mirella Bentivoglio in the 1980s and 1990s during numerous group exhibitions dedicated to this particular form of artistic expression, ‘librista’ is used as a term that describes an artist who produces book-objects, the artist who is inspired by the form and the meaning of the book. Two universes are being put together: that of Logos, the language, which the works represent through their form, and that of the Mater, the matter, which the works celebrate through their substance. Two opposing dimensions that emerge in singular, communicative and silent poetic testimonies.
“In this era of the computer, in which the book has declined as a medium of verbal communication, its symbolism engraved in the subconscious renders it a new vehicle for global communication. In such a way the book-object has truly broken all customs and it is not known anymore whether it is a theme, a technique, a support or a movement. In a participatory and questioning way, it seems to indicate a general awareness of a new iconography of the Logos, which the human of our time recognizes and communicates”, writes Mirella Bentivoglio in 1990 when presenting a historical exhibit dedicated to ‘Librismo’ at the Art Duchamp Gallery in Cagliari. Furthermore, “they are volumes in both senses of the word; volumes considering their physicality. No longer vehicles of language, the books are symbols of the book; they dig deep into the psyche and find the archetype of the tables of the law. Books that undergo transformation in terms of form, structure, matter, giving rise to plastic-poetic circuits. Linguistic objects which by association move the work from the field of art to the suddenly complementary field of poetry”.
Brooks As Art
The works exhibited in Athens are three-dimensional, inspired by the book and the page, created by more than thirty international female artists from the area of conceptual, verbal, visual and fiber art of different countries and generations. Captivating and communicative works, realized in diverse materials, which are capable of bringing together with immediacy the world of the words with the universe of the materiality. Many works in this exhibition are historical examples and have been exhibited in the most prestigious museum venues. For the most part, they are unique pieces, together with examples of special editions.
Lucia Marcucci – Afasia (1992)
During the opening, Maria Jole Serreli, a fiber artist from Sardinia, will realize her performance ‘The Forever Books’: ten books, containers of word and real stories, dressed in dreams, will be sealed forever preserving the memory of the intimate story of whoever owned them.
Artists: Marilla Battilana, Mirella Bentivoglio, Tomaso Binga, Evangelía Biza, Irma Blank, Anna Boschi, Francesca Cataldi, Chiara Diamantini, Lia Drei, Anna Esposito, Elisabetta Gut, Fernanda Fedi, Susanne Kessler, Maria Lai, Rosanna Lancia, Virginia Lorenzetti, Lucia Marcucci, Gisella Meo, Patrizia Molinari, Aurelia Muñoz, Elly Nagaoka, Giulia Niccolai, Renata Prunas, Betty Radin, Anna Maria Sacconi, Alba Savoi, Marilena Scavizzi, Greta Schödl, Maria Jole Serreli, Franca Sonnino, Giulia Spernazza, Chima Sunada, Saletta Tavares, Anna Torelli, Anna Uncini, Carla Vasio.
Curated by Paolo Cortese
Gramma_Epsilon Gallery, Athens, 15th June – 20th October, 2023
“Il libro è senza dubbio il più stupefacente tra gli strumenti costruiti dall’uomo. Gli altri sono estensione del suo corpo: il microscopio, il telescopio sono estensioni della sua vista, il telefono e la radio estensioni della sua voce, l’aratro, la fionda e il missile estensioni del braccio; ma il libro è un’estensione della memoria e dell’immaginazione” (Jorge Luis Borges)
Gramma_Epsilon – Books as Art (Athens)
Dal 15 Giugno al 20 Ottobre 2023 si tiene presso la Galleria Gramma_Epsilon di Atene una mostra dal titolo “Books as Art” a cura di Paolo Cortese. In questa rassegna, dedicata la libro come forma di arte, sono messi a confronto lavori di artiste di diverse generazioni e nazionalità. Lavori concretisti e verbo-visuali risalenti agli anni ’60 sono messi in relazione a lavori di artiste di generazioni successive che continuano ad esplorare le molteplici possibilità del libro come espressione della loro arte. Nella terminologia istituita da Mirella Bentivoglio lungo gli anni Ottanta e Novanta nel corso di numerose rassegne dedicate a questa particolare branca dell’espressione, si fa riferimento al “librista” come all’artista produttore di libri-oggetto, ossia un artista che si ispira alla forma e al significato del libro. Si sommano in sé due universi: quello del Logos, il linguaggio, che rappresentano nella loro forma, e quella di Mater, la materia, che celebrano nella loro sostanza. Due contrapposte dimensioni, che si fondono in singolari, comunicative e silenziose testimonianze poetiche. “In quest’era del computer, in cui il libro sta per tramontare come medium di comunicazione verbale, la sua simbolicità incisa nell’inconscio lo porta a divenire un nuovo convenuto veicolo di comunicazione globale. Così il libro-oggetto ha veramente rotto tutte le consuetudini e non si sa più se è un tema, una tecnica, un supporto o un movimento. In modo partecipe e interrogativo esso sembra indicare una generale presa di coscienza di una nuova iconografia del logos, nella quale si riconosce e comunica l’uomo del nostro tempo.” scrive Mirella Bentivoglio nel 1990 presentando una storica mostra dedicata al “Librismo” presso la Galleria Art Duchamp a Cagliari. E ancora “Sono volumi nei due sensi della parola; volumi considerati nella loro fisicità. Non più meri veicoli del linguaggio, sono libri simboli del libro; scavano nel profondo della psiche e vi ritrovano l’archetipo delle tavole della legge. Libri che subiscono trasformazioni a livello di forma, struttura, materia, dando luogo a corto circuitazioni plastico-poetiche. Oggetti linguistici, che per associazione spostano l’opera dal piano dell’arte al piano improvvisamente complementare della poesia.” Saranno in esposizione ad Atene opere tridimensionali ispirate al libro e alla pagina di oltre trenta artiste internazionali esponenti dell’area concettuale, verbo visuale e della fiber art di paesi e generazioni diverse. Opere captanti, comunicative, realizzate in materiali diversi, capaci di sposare con immediatezza il mondo della parola all’universo dell’esistenza.
Brooks as Art
Molte opere di questa mostra sono esempi storici e sono stati esposti nelle più prestigiose sedi museali. Per la maggior parte sono pezzi unici, ma insieme ad esemplari di stretta numerazione.
Lucia Marcucci – Afasia (1992)
Artiste in mostra: Marilla Battilana, Mirella Bentivoglio, Tomaso Binga, Evangelía Biza, Irma Blank, Anna Boschi, Francesca Cataldi, Chiara Diamantini, Lia Drei, Anna Esposito, Elisabetta Gut, Fernanda Fedi, Susanne Kessler, Maria Lai, Rosanna Lancia, Virginia Lorenzetti, Lucia Marcucci, Gisella Meo, Patrizia Molinari, Aurelia Muñoz, Elly Nagaoka, Giulia Niccolai, Renata Prunas, Betty Radin, Anna Maria Sacconi, Alba Savoi, Marilena Scavizzi, Greta Schödl, Maria Jole Serreli, Franca Sonnino, Giulia Spernazza, Chima Sunada, Saletta Tavares, Anna Torelli, Anna Uncini, Carla Vasio.
A cura di Paolo Cortese
Gramma_Epsilon Gallery, Atene, 15 Giugno – 20 Ottobre, 2023
It was 1964 when artist Lucia Marcucci (Florence, 1933) created the work Il fidanzato in fuga: a collage on cardboard depicting three freestanding spacesuits, as if attached to clothes hangers, bodyless. The collage reads: “Paradiso extraterrestre della donna, il fidanzato in fuga nello spazio” (“A woman’s extra-terrestrial paradise: a fiance on the run in outerspace”). An ironic and provocatory phrase, it denounces the condition of contemporary women and showcases their need for freedom and transgression in a society obsessed with scientific and technological progress during the Cold War period, in constant ascent towards the ‘conquest’ of space. The following year, as part of Gruppo ’70, with Eugenio Miccini, Lamberto Pignotti and Antonio Bueno, Lucia Marcucci put up posters and then ripped them, including the poster L’Offesa, during their poetry shows Poesie e no (1964–1967). These were a series of multimedia happenings featuring poems as well as non-literary material. The events, particularly Poesie and no 3 (1965), drew on a range of languages—poetry readings, newspaper columns, slogans, extracts from novels, experimental film screenings and other ephemeral and volatile actions—to the music of Giuseppe Chiari. It was all put together in a Cubist-style collage of words and recitals, clips, scraps and offcuts, moving away from the linear construction of content.
Lucia Marcucci – Il fidanzato in fuga (1964)
Dorothy D. Lee (1905–1975) wrote about non-lineal thinking in the text ‘Lineal and Nonlineal Codifications of Reality’ (1950), which Marcucci would often quote.¹ In this text, the American anthropologist took the example of the interruption of the ‘thread of the discourse’ for people living in the Trobriand Islands, where it is accepted as something non-invasive in a culture characterised by the absence of linear continuity. Instead, the Western mindset that Marcucci challenges and criticises lulls itself into believing the line is the true path, that linear planning means success, increasingly thirsty for rectilinear progress. In this capitalist conception, there is no room left for failure as an interruption of linearly conceived movement. But is it so important to read reality through the presence of the line and reach a point on the horizon at a precise moment?
Lucia Marcucci seems to ask herself the same questions as Dorothy D. Lee, rooting her works along a pathway that is not a connection between two points but one that moves around, a source of continuous influences and obstacles, independent tracks, setbacks, failures and contestations. Her collages, like her works of cine-poetry, the non-linear montage technique—in particular Volerà nel ’70 (1965) and Pugni, Pistole e Baci (1966) —are reminiscent of many of Pedro Almodóvar’s films: a non-linear composition that steeps past and present in the narrative context. Dorothy D. Lee also referred to Trobriand verbs as timeless.² In these forms of conceiving, history and reality are always present, lending meaning to present actions. And this is how Marcucci plays it: rummaging through and drawing on her own past and that which surrounds us in the languages of mass communication, immersing us in a critical rereading of the present.
Lucia Marcucci stood out by virtue of her table-turning of the poetic word, which became part of the feminist struggles in the 1960s. What the artist defines as “returning the lexicon to the sender” means exploiting language with irony to pursue a critical redemption of stereotypes, of gender and the assumptions regulating representation of the female body, and of the forms and habits imposed upon it by capitalist society. The artist thus unveiled the nonsense and ideological emptiness underpinning mass communication, especially on topical issues. Bleah!!! (1967), a work on painted glass with a newspaper headline board, seemed to provide the only plausible answer at the time: one of outright dissent.
In 1965, Lamberto Pignotti published an anthology of visual poetry in the series Il Dissenso (published by Sampietro, Bologna). It consisted of four volumes featuring fragments of visual poetry, to be shuffled around like a pack of cards. From this moment on, the book form is extruded, exploding into the surrounding space and bringing the word to life beyond its container. There is no longer the word on paper but, like in Lucia Marcucci’s work, the word is brought back to the streets, squares and venues where civic relations might be established, and bodies along with them. But what role did (and does) the body—its perception, gesture and language—play within poetic struggle?
On the occasion of the artist’s ninetieth birthday, the exhibition L’Offesa at Ar/Ge Kunst (9 June – 29 July 2023), curated by Francesca Verga and Zasha Colah, retraces some of the artist’s works from the 1960s up to the 1990s on loan from the Lucia Marcucci Archive and the Frittelli Arte Contemporanea Gallery. The exhibition re-examines how speech, advertising, media and paper were questioned in the 1960s and 1970s through militant practices intensifying verbal and bodily presence. For it is through both body and word that the poetic worth of the stroke and its imaginative value may be rediscovered.
Lucia Marcucci – Io sarò, qui, poeta (1995)
On display are a number of works created from the 1960s onwards on the verbo-visual side of technological poetry, auditory poetry, cine-poetry (such as the works Volerà nel ’70, 1965, and poesia auditiva, 1970), collages on cardboard and non-linear montage techniques. Together with these, the acrylics on prints and posters, such as Sigh (1968), Waah! (1968) and Boh, eh (1970), constitute a pivotal moment in the display of political and social dissent in poetic terms. Furthermore, there is also a return to the manual skills of the 1970s: the imprints of the artist’s body on emulsified canvases, along with the imprints, signs and words on her didactic tables produced in the 1990s reconfirm the artist’s interest in visceral dissections of the body and the link between body and word, continuing to toy with scientific contexts.
The exhibition L’Offesa at Ar/Ge Kunst also develops a critical reflection on the contemporary sphere by placing some of Lucia Marcucci’s works in dialogue with the voices of other artists. An audio-visual and installation work by the artist Wissal Houbabi brings dissent and struggles in today’s society in dialogue with Marcucci’s politics; Elena Biserna with the scores of The Resounding Flâneuse and the Feminist Steps walk (9–10 June 2023, Bolzano), explores the (auditory) experiences of the nocturnal city from a gendered perspective. And as part of Bolzano Danza, the dancer Annamaria Ajmone and the musician Laura Agnusdei present Bleah!!! (20–21 July 2023, Parco dei Cappuccini, Bolzano): a performance that blends gesture and sound in assemblages that are a table-turning of notions of the temporal, spatial and authorial.
The show at Ar/Ge Kunst is further complemented by the exhibition Lucia Marcucci. Poesie e no at Museion, Bolzano, curated by Frida Carazzato. The two solo shows revolve around the experience that gave rise to the Poesie e no happenings. The collage of visual and linguistic signs that characterises this series of performances allows the two institutions to explore two complementary strands of Marcucci’s work: on the one hand the investigation of language starting with the critique of consumer society that finds space in Museion, and on the other, the presence of the word and body in social militancy, through the interpretation further manifested by other contemporary voices in the Ar/Ge Kunst show.
Curatorial text by Francesca Verga and Zasha Colah, Ar/Ge Kunst, 2023.
Translation from Italian to English: Ben Bazalgette, 2023.
¹ Lee, Dorothy, „Lineal and Nonlineal Codifications of Reality“, in: Symbolic Anthropology: A Reader in the Study of Symbols and Meanings, hg. von Dolgin, Janet L., Kemnitzer, David S. und Schneider, David M., New York 1977, S. 151–164.
² Dorothy D. Lee, „Being and Value in a Primitive Culture“, in: dies., Freedom and Culture, Englewood Cliffs 1959, S. 89–104; „Codifications of Reality: Lineal and Nonlineal“, in: ebd. S. 105–120.
Es ist das Jahr 1964, und die Künstlerin Lucia Marcucci (*1933 in Florenz) gestaltet auf Karton die Collage Il fidanzato in fuga. Darauf dargestellt sind drei aufrecht stehende Raumanzüge, die aufgehängt sind wie Marionetten, aber ohne Körper. Collagiert ist zu lesen: „Das außerirdische Paradies der Frau, der Verlobte auf der Flucht ins All.“ Ein so ironischer wie provokanter Satz, der die Befindlichkeit der zeitgenössischen Frau spiegelt und ihren Anspruch auf Freiheit und Überschreitung in einer Gesellschaft betont, die besessen war von Wissenschaft, Technologie und Fortschritt und sich zur damaligen Zeit in einem kontinuierlichen Aufstieg hin zur „Eroberung“ des Weltraums wähnte. Im darauffolgenden Jahr hängte Lucia Marcucci – als Teil des Gruppo ’70 – zusammen mit Eugenio Miccini, Lamberto Pignotti und Antonio Bueno Plakate auf, nur um sie anschließend zu zerreißen, so geschehen etwa mit der Arbeit L’Offesa im Zuge ihrer gemeinsam aufgeführten Poesie-Spektakel Poesie e no (1964–1967). Dabei handelte es sich um eine Reihe multimedialer Happenings unter Einbeziehung von Gedichten sowie Matrixmaterialien außerliterarischer Herkunft. Im Rahmen dieser Veranstaltungen, allen voran Poesie e no 3 (1965), verbanden sich verschiedene Formen von Sprache: das Vorlesen von Gedichten, Zeitungskolumnen, Slogans und Romanauszügen mit der Vorführung experimenteller Filme und weiteren ebenso flüchtigen wie vergänglichen Aktionen zur Musikbegleitung Giuseppe Chiaris. Dies alles fügte sich zu einer aus Wörtern und Rezitationen, Ausschnitten, Fragmenten, Schnipseln und Überbleibseln gefügten Collage, die sich von einer linearen Konstruktion der Inhalte entfernte.
Lucia Marcucci – Bleah!!! (1967)
Über das nicht-lineare Denken hatte sich bereits Dorothy D. Lee (1905–1975) in dem von Marcucci gern zitierten Text „Lineare und nicht-lineare Kodifizierungen der Realität“ (1977) geäußert.¹ Darin führte die amerikanische Anthropologin die Bewohner*innen der Trobriand-Inseln als Beispiel für eine Kultur an, die durch das Fehlen von linearer Kontinuität geprägt ist und somit eine Unterbrechung des „Diskursfadens“ als nicht störend empfindet. Das von Marcucci infrage gestellte und kritisierte westliche Denken hingegen gibt sich der Illusion hin, dass die Linie unser Weg wäre und lineare Planung der Weg zum Erfolg, angetrieben von einem immer unersättlicheren Bedürfnis nach geradlinigem Fortschritt. In dieser kapitalistischen Vorstellungswelt bleibt kein Raum für das Scheitern, für die Unterbrechung einer als linear gedachten Bewegung. Ist es aber tatsächlich so wichtig, die Wirklichkeit über die Gegenwart der Linie zu lesen und zu einer bestimmten Zeit an einem bestimmten Ort am Horizont anzukommen?
Lucia Marcucci scheint sich die gleichen Fragen zu stellen wie Dorothy D. Lee, spürt in ihren Werken einer Spur nach, die keine Verbindung zwischen zwei Punkten darstellt, sondern in Bewegung ist, eine Quelle immer neuer Einflüsse sowie Ursache von Flecken, von eigenen Wegfindungen, Rückschritten, Fehlschlägen und Anfechtungen. Ihre Collagen erinnern ebenso wie ihre kinopoetischen Werke – vor allem Volerà nel ’70 (1965) und Pugni, Pistole e Baci (1966) – vielfach an die Filme Pedro Almodóvars, verknüpfen Vergangenes und Gegenwärtiges in einer Erzählung, die ohne Linearität auskommt. Schon Dorothy D. Lee hatte die trobriandischen Verben als zeitlos bezeichnet.² Folgt man diesen Vorstellungen, so sind Geschichte und Wirklichkeit stets gegenwärtig und geben unserem aktuellen Handeln einen Sinn ein. Und damit spielt Marcucci: Sie durchstöbert die eigene Vergangenheit, schneidet sich durch das, was uns die Sprachformen der Massenkommunikation zur Verfügung stellen, und lässt uns in eine kritische neue Lesart der Gegenwart eintauchen.
Ihr Werk zeichnet sich durch eine Umkehrung des poetischen Wortes aus, die auch Eingang in die feministischen Kämpfe der 1960er-Jahren fand. Wenn die Künstlerin davon spricht, „das Lexikon an den Absender zurückzusenden“, so bedeutet das, über einen ironischen und kritischen Gebrauch von Sprache eine Befreiung von Geschlechterstereotypen, von Annahmen über die Darstellung des weiblichen Körpers ebenso wie von aufoktroyierten Praktiken und Gewohnheiten der kapitalistischen Gesellschaft zu erreichen. Gerade in Bezug auf aktuelle Themen entlarvt Marcucci die sich hinter der Massenkommunikation auftuende Unsinnigkeit und ideologische Leere. Die Arbeit Bleah!!! (1967), bestehend aus bemaltem Glas und Zeitungsreklame, schien zur damaligen Zeit die einzig plausible Antwort zu geben: Dissens.
1965 veröffentlichte Lamberto Pignotti einen Sammelband visueller Poesie, der in der Reihe „Il Dissenso“ (Sampietro, Bologna) erschien. Die vier Bände beinhalten Fragmente visueller Poesie, die sich ähnlich wie Spielkarten mischen lassen. Ab diesem Moment dehnt sich das Buch aus, explodiert in den umgebenden Raum und lässt das Wort außerhalb seines Behälters lebendig werden. Somit steht das Wort nicht mehr nur auf dem Papier, sondern wird – wie auch im Werk Lucia Marcuccis – wieder auf Straßen und Plätze, in Leben und Orte gebracht, an denen Zivilbürgerschaft stattfindet, und mit ihr der Körper. Welche Rolle aber spielten (und spielen) der Körper und seine Wahrnehmung, die Geste und die Sprache im poetischen Kampf?
Anlässlich des 90. Geburtstags Lucia Marcuccis zeigt die Ar/Ge Kunst in der Ausstellung L’Offesa (9. Juni – 29. Juli 2023) verschiedene Werke der Künstlerin aus den 1960er- bis 1990er-Jahren, die von ihrem Archiv sowie der Galerie Frittelli Arte Contemporanea (Florenz) als Leihgaben zu Verfügung gestellt wurden. Die von Francesca Verga und Zasha Colah kuratierte Schau führt vor Augen, wie Sprache, Werbung, Medien und Papier in den 1960er- und 1970er-Jahren von einer militanten Praxis auf den Prüfstand gestellt wurden, die auf verbale und physische Gegenwart setzte. Anhand von Körper und Wort entdeckte sie die poetische Gültigkeit des Zeichens und seinen imaginativen Wert neu.
Lucia Marcucci – Milioni (1964)
Gezeigt werden ab den 1960er-Jahren entstandene verbo-visueller Werke der technologischen und auditiven Poesie, Kinopoesien mit nicht-linearen Montagetechniken (etwa die Arbeiten Volerà nel ’70 von 1965 und Poesia auditivavon 1970) sowie Collagen auf Karton. Daneben bieten auch die Acrylübermalungen von Reklame sowie Plakate wie Sigh (1968), Waah! (1968), Boh, eh (1970) kardinale Beispiele für die Formulierung politischen und gesellschaftlichen Dissenses in einer poetischen Tonart. Ebenfalls thematisiert wird die Rückbesinnung der 1970er-Jahre auf eine manuell geprägte Herangehensweise, etwa in den eigenen Körperabdrücken der Künstlerin auf emulgierten Leinwänden. Auch die Gesten, Zeichen und Wörter auf Schautafeln der 1990er-Jahre bestätigen erneut Marcuccis Interesse an viszeralen Bereichen des Körpers und seiner Verbindung zum Wort sowie den spielerischen Umgang der Künstlerin mit wissenschaftlichen Kontexten.
Darüber hinaus unternimmt die Ausstellung L’Offesa eine kritische Reflexion aus zeitgenössischer Perspektive, indem sie einige Werke Lucia Marcuccis in einen Dialog mit den Stimmen anderer Künstler*innen stellt. So bringt etwa die Künstlerin Wissal Houbabi eine audiovisuelle Installation in den Raum des Dissenses und der antirassistischen Kämpfe unserer heutigen Gesellschaft ein; Elena Biserna erkundet mithilfe der Partituren The Resounding Flâneuse und dem Spaziergang Feminist Steps (9./10. Juni 2023, Bozen) die (Hör-)Erfahrungen der nächtlichen Stadt aus einer geschlechtsbezogenen Perspektive; und im Rahmen von Bolzano Danza zeigen die Tänzerin Annamaria Ajmone und die Musikerin Laura Agnusdei die Geste und Klang verbindende Partitur Bleah!!! (20./21. Juli 2023, Kapuzinerpark, Bozen), die mit Assemblagen und dem Durchbrechen zeitlicher, räumlicher wie auktorialer Zusammenhänge arbeitet.
Die Ausstellung in der Ar/Ge Kunst wird ergänzt durch die von Frida Carazzato kuratierte Schau Lucia Marcucci. Poesie e no im Museion in Bozen. Beide Einzelpräsentationen kreisen um Erfahrungen, die zur Entstehung des Happenings Poesie e no geführt haben. Die mehrfach aufgeführte Performance zeichnet sich durch eine collageartige Nebeneinanderstellung visueller und sprachlicher Zeichen aus und wird zum Anlass, um in beiden Einrichtungen jeweils komplementäre Stränge von Marcuccis Œuvre zu beleuchten: So findet die von einer Kritik an der Konsumgesellschaft ausgehende Untersuchung von Sprache ihren Raum im Museion, während die Gegenwart von Wort und Körper im Aktivismus eine Re-Lektüre auch durch zeitgenössische Stimmen in der Ar/Ge Kunst erfährt.
Kuratorischer Text, Francesca Verga und Zasha Colah, Ar/Ge Kunst, 2023.
übersetzt von Ursula Fethke
¹ Lee, Dorothy, „Lineal and Nonlineal Codifications of Reality“, in: Symbolic Anthropology: A Reader in the Study of Symbols and Meanings, hg. von Dolgin, Janet L., Kemnitzer, David S. und Schneider, David M., New York 1977, S. 151–164.
² Dorothy D. Lee, „Being and Value in a Primitive Culture“, in: dies., Freedom and Culture, Englewood Cliffs 1959, S. 89–104; „Codifications of Reality: Lineal and Nonlineal“, in: ebd. S. 105–120.
È il 1964 e l’artista Lucia Marcucci (Firenze, 1933) crea il lavoro Il fidanzato in fuga, un collage su cartoncino che raffigura tre tute spaziali che si reggono in piedi da sole, come agganciate a dei manichini, senza corpo. Il collage recita: Paradiso extraterrestre della donna, il fidanzato in fuga nello spazio. Una frase ironica e provocatoria che denuncia la condizione della donna contemporanea e porta avanti la sua esigenza di libertà e trasgressione, all’interno di una società ossessionata dai progressi scientifici e tecnologici e a quel tempo in costante ascesa verso la “conquista” dello spazio. L’anno seguente, Lucia Marcucci, come parte del Gruppo ’70, con Eugenio Miccini, Lamberto Pignotti e Antonio Bueno, affigge manifesti per poi strapparli, come il manifesto L’Offesa, durante le loro poesie-spettacolo Poesie e no(1964-1967). Si tratta di una serie di happening multimediali contenenti poesie e materiali di matrice extra-letteraria. Questi eventi, in particolare Poesie e no 3(1965), coinvolgevano diversi linguaggi: letture di poesie, rubriche giornalistiche, slogan, estratti di romanzi, proiezione di film sperimentali, e altre azioni effimere e volatili sotto le musiche di Giuseppe Chiari. Il tutto assemblato in un collage cubista di parole e recite, spezzoni, ritagli, scarti e rifiuti, che si allontana da una costruzione lineare dei contenuti.
Lucia Marcucci – Il fidanzato in fuga (1964)
Aveva scritto sul pensiero non lineare anche Dorothy D. Lee (1905-1975), all’interno del testo “Lineal and Nonlineal Codifications of Reality” (1950), che Marcucci amava citare¹. In questo testo, l’antropologa americana prendeva da esempio l’interruzione del “filo del discorso” per le persone che vivono nelle isole Trobriand, accettata come qualcosa di non disturbante in una cultura caratterizzata dall’assenza di una continuità lineare. Il pensiero occidentale che Marcucci contesta e critica si è invece illuso che la linea sia la strada, che la pianificazione lineare sia il successo, sempre più assetato di un progresso rettilineo. In questa concezione capitalistica non resta spazio per il fallimento, in quanto interruzione di un movimento concepito linearmente. Ma è così importante leggere la realtà attraverso la presenza della linea e arrivare in un punto all’orizzonte in un preciso momento?
Lucia Marcucci sembra porsi gli stessi quesiti di Dorothy D. Lee, immergendo le sue opere in una traccia che non è un collegamento tra due punti ma si muove, fonte di continue influenze e macchie, percorsi autonomi, indietreggiamenti, fallimenti e contestazioni. I suoi collage, così come i lavori di cinepoesia, la tecnica di montaggio non lineare, in particolare Volerà nel ’70 (1965) e Pugni, Pistole e Baci(1966), ricordano a molti i film di Pedro Almodóvar, una composizione non lineare che immerge passato e presente nella narrazione. Sempre Dorothy D. Lee aveva fatto riferimento ai verbi trobriandesi come atemporali². In queste concezioni, storia e realtà sono sempre presenti, dando senso alle azioni attuali. E così gioca Marcucci: tagliando e frugando nel proprio passato e in quello che è a nostra disposizione nei linguaggi della comunicazione di massa, immergendoci in una rilettura critica del presente.
Lucia Marcucci si è distinta per il rovesciamento della parola poetica, che è diventata parte delle lotte femministe negli anni Sessanta. Quello che l’artista definisce come “rispedire il lessico al mittente” significa portare avanti, attraverso l’ironia nel linguaggio, un riscatto critico sugli stereotipi, sul genere e gli assunti che regolavano la rappresentazione del corpo femminile, sulle forme e abitudini imposte dalla società capitalistica. L’artista ha svelato l’insensatezza e il vuoto ideologico che si cela dietro la comunicazione di massa, soprattutto sui temi di attualità. Bleah!!!(1967), opera in vetro dipinto e civetta di giornale, sembrava a quel tempo l’unica risposta plausibile: il dissenso.
Lucia Marcucci – Bleah!!! (1967)
Nel 1965 Lamberto Pignotti pubblica l’antologia di poesia visiva nella collana “Il Dissenso” (casa editrice Sampietro di Bologna). Si tratta di quattro volumi contenenti al loro interno frammenti di poesia visiva, da mescolare come un mazzo di carte. Da questo momento il libro si estroflette, esplode nello spazio circostante e fa vivere il verbo al di fuori del suo contenitore. Non c’è più la parola su carta ma, come nell’opera di Lucia Marcucci, si riporta la parola nelle strade, nelle piazze, nelle vie e nei luoghi dove si svolgeva la relazione civica, e con essa i corpi. Ma che ruolo aveva (e ha) il corpo, la sua percezione, il gesto e il linguaggio, all’interno della lotta poetica?
Per il novantesimo compleanno dell’artista, la mostra L’Offesa ad Ar/Ge Kunst (9 giugno – 30 luglio 2023), curata da Francesca Verga e Zasha Colah, ripercorre alcuni lavori dell’artista tra gli anni Sessanta e gli anni Novanta in prestito dall’Archivio Lucia Marcucci e la Galleria Frittelli Arte Contemporanea. La mostra ridiscute come la parola, la pubblicità, i media e la carta sono state messe in discussione negli anni Sessanta e Settanta attraverso una pratica militante che intensifica la presenza verbale e corporale. È attraverso il corpo e la parola che si riscopre la validità poetica del segno e la sua valenza immaginifica.
Vengono esposti alcuni lavori realizzati a partire dagli anni Sessanta sul versante verbo-visuale della poesia tecnologica, poesia auditiva, della cinepoesia (come le opere: Volerà nel ’70 del 1965 e poesia auditiva del 1970), collage su cartoncino e tecniche di montaggio non-lineari. Insieme a questi, gli acrilici su locandina e i manifesti, come Sigh (1968), Waah! (1968), Boh, eh (1970), costituiscono un punto cardine nel manifestare il dissenso politico e sociale in chiave poetica. Inoltre, si ripercorre il ritorno alla manualità degli anni Settanta, ne sono ad esempio le impronte del corpo dell’artista sulle tele emulsionate. Ma anche i getti, segni e parole sulle sue tavole didattiche realizzate negli anni Novanta riconfermano l’interesse dell’artista nei sezionamenti viscerali del corpo e la connessione tra questo e la parola, che continua a farsi gioco dei contesti scientifici.
Lucia Marcucci – Io sarò, qui, poeta (1995)
La mostraL’Offesa ad Ar/Ge Kunst sviluppa inoltre una riflessione critica sulla contemporaneità mettendo alcune opere di Lucia Marcucci in dialogo con le voci di altre artiste. L’artista Wissal Houbabi porta un lavoro audio visuale e installativo nello spazio del dissenso e delle lotte antirazziali dell’attuale società; Elena Biserna con le score The Resounding Flâneuse e la passeggiata Feminist Steps (9-10 giugno 2023, Bolzano), esplora le esperienze (uditive) della città notturna da una prospettiva di genere; all’interno di Bolzano Danza, la danzatrice Annamaria Ajmone e la musicista Laura Agnusdei presentano Bleah!!! (20-21 luglio 2023, Parco dei Cappuccini, Bolzano) una partitura che mescola gesto e suono lavorando su assemblaggi e ribaltamenti sul piano temporale, spaziale, autoriale.
La mostra ad Ar/Ge Kunst si completa con la mostra Lucia Marcucci. Poesie e no presso Museion, Bozen/Bolzano, curata da Frida Carazzato. Le due personali gravitano intorno all’esperienza che ha dato vita all’happening di Poesie e no. Il collage di segni visivi e linguistici che caratterizza questa serie di performance ha permesso alle due istituzioni di sviluppare due filoni complementari del lavoro di Marcucci: da una parte l’indagine sul linguaggio a partire dalla critica alla società dei consumi che trova spazio a Museion, dall’altra la presenza del verbo e corpo nella militanza, attraverso una lettura attuata anche da voci contemporanee nella mostra ad Ar/Ge Kunst.
In questa pubblicazione Novellas #2, Marcucci ci introduce al pensiero non lineare della poesia visiva, che coinvolge un nuovo linguaggio in grado di riprendere coscienza della realtà sociale e politica nella quale l’artista si trova. Si tratta di un testo scritto nel 1973 che viene riportato assieme a una serie di racconti più recenti, parte del romanzo IN FIERIiniziato da Lucia Marcucci nel 2007; un collage di storie e notizie, un pensiero in corso, interminabile, ultimato un giorno soltanto dai limiti del corpo.
In occasione delle due mostre, il laboratorio di comunicazione visiva (Exhibition Graphic Design: processes of cultural practice) della Facoltà di Design e Arti della Free Università di Bozen-Bolzano (docente e workshop leader Elisa Pasqual, con Gianluca Camillini e Gerhard Gluher), ha sviluppato sette progetti di comunicazione che espandono in chiave contemporanea temi presenti nel lavoro di Lucia Marcucci e del Gruppo ‘70. La mostra del laboratorio inaugurerà il 9 giugno alle 18:00 alla Free Università di Bozen-Bolzano.
A completamento del lavoro di Marcucci, si segnala inoltre la mostra Ri-Materializzazione del Linguaggio presso la Fondazione Antonio dalle Nogare, Bolzano, che ospita delle sue opere. Il giorno 09.06.2023 alle ore 20:00 si svolge inoltre un talk dell’artista Nora Turato a conclusione di questa mostra.
¹ Lee, Dorothy, “Lineal and Nonlineal Codifications of Reality,” in Symbolic Anthropology: A Reader in the Study of Symbols and Meanings, Dolgin, Janet L., Kemnitzer, David S., and Schneider, David M. (eds.), New York: Columbia University Press, 1977: 151-64.
² Dorothy Lee (1959) “Being and value in a primitive culture” and “Codifications of reality: Lineal and nonlineal”. In Freedom and Culture, pp. 89-120. Prentice-Hall, Inc.
In un’Italia in pieno fermento da boom economico e che vibra assieme ad altri paesi per i movimenti studenteschi e pacifisti del ’68, gli artisti e le artiste non potevano certo esprimersi secondo i mezzi tradizionali, ma rispondono a questo movimento con un nuovo linguaggio tecnologico e puntando su una nuova definizione di interdisciplinarità. La parola acquista attenzione e diventa non solo un veicolo, ma si fa oggetto che può essere usato da chiunque – in particolare anche da chi prima ne era priva – e in spazi sempre diversi. È una parola poetica, perché poesis produce spazi, immagini, opere ma è anche altro. Una congiunzione semplice – e – ne amplia le possibilità. Poesie e no vede diverse albe nel 1963 in particolare una versione in un teatro di Livorno gestito da un padre gesuita. Si tratta di una performance in cui una giovane Lucia Marcucci che vive pienamente gli effetti del secondo dopoguerra, assieme a Giuseppe Chiari e Sylvano Busotti che ne curano la musica, Antonio Bueno, Lamberto Pignotti ed Eugenio Miccini con la regia di Enrico Sirello, mette in scena una poesia-spettacolo. Seguiranno altre presentazioni in giro per l’Italia, e altri interpreti-attori si aggiungeranno (per esempio Emilio Isgrò). In scena, oltre ai brani alternati da poesie, citazioni letterali e pubblicità raccolte in copioni, si aggiungono diversi oggetti, ma anche dei poster tecnologici di Marcucci che verranno strappati nel corso della performance. Il collage visivo e sonoro di Poesie e no, è da una parte una sorta di innesto della ricerca del linguaggio sulla scia della tradizione dada e futurista attuata dal Gruppo ’70, di cui Lucia Marcucci è stata parte. Ma è anche espressione dell’indole “non lineare” dell’artista che, come si legge nella sua biografia, afferma “le abitudini mi annoiano, sapere già cosa potrà succedere mi irrita, ho bisogno di pensieri avventurosi, anche nelle piccole cose di tutti i giorni”.
Lucia Marcucci – Passione e miliardi (1966) – Collezione Museion, Archivio di Nuova Scrittura
Poesie e no diventa così il titolo della mostra dedicata a Lucia Marcucci, nata a Firenze nel 1933, dove ancora vive, in occasione del suo novantesimo compleanno. Un focus che ripercorrere attraverso alcuni preziosi documenti originali provenienti dal suo archivio, l’attività di scrittrice e di membro fondativo del collettivo fiorentino Gruppo 70, fino alla sua attività artistica intrapresa in maniera indipendente sul linguaggio e la poesia visiva quando oramai il gruppo si sciolse e altri incontri caratterizzarono il percorso di Marcucci, come quello con Romana Loda o Mirella Bentivoglio. In questo senso la “e” presente nel titolo della mostra e nel titolo della serie di performance che si tennero dal 1963 al 1967, testimonia questo mescolamento tra cultura “alta” e cultura “bassa”, tra linguaggio letterario e quello della quotidianità e dei mezzi di comunicazione di massa, tra testo e immagine, tra pittura e collage, tra donna oggetto e donna che diventa soggetto, tragicità e ironia. In questo percorso attraverso il ventennio 1960-1970 di produzione di Lucia Marcucci, che fa eco in maniera esemplare alle ricerche del nucleo più ampio di opere, edizioni e ricerche dell’Archivio di Nuova Scrittura donato da Paolo della Grazia alle collezioni di Museion e MART, un accento particolare è dato alla modalità con cui l’artista ha lavorato con la parola. Per questo motivo oltre alle opere più iconiche di Marcucci quali sono i collage, la sua attività di scrittrice e di performer è portata nella mostra sullo stesso piano. Trovano così spazio le riviste con i suoi contributi, da “Tèchne” fondata da Eugenio Miccini come laboratorio dello sperimentalismo verbo-visivo, “Marcatrè” rivista di cultura contemporanea legata al Gruppo 63 a “Lotta Poetica”, fondata da Sarenco e Paul De Vree con l’obiettivo di diffondere la poesia visiva e le più recenti sperimentazioni poetiche a livello internazionale. Inoltre, le sue poesie pubblicate anche in altre raccolte, gli strumenti che hanno permesso la creazione delle cinepoesie e i bozzetti preparatori per le successive tele emulsionate o i cartelli stradali veri e propri ready-made modificati a favore della poesia. L’esplorazione della parola nelle sue diverse declinazioni parte sempre e comunque da un inequivocabile atteggiamento critico e contestatore, a volte marcatamente militante eppure, sempre ironico e libero. Queste caratteristiche hanno ispirato il display della mostra curato dallo studio grafico bruno di Venezia, che volutamente definisce uno spazio per poi attuare uno spostamento e una fuoriuscita.
Lucia Marcucci – Il paesaggio falso (1976)
Si collocano invece in un’altra parentesi temporale più vicina ai giorni nostri, le opere esposte al Piccolo Museion– Cubo Garutti. Si tratta di immagini iconiche della storia dell’arte stampate su tela e arricchite da interventi pittorici che giocano con queste immagini ampliando la loro espropriazione da parte della cultura di massa.
The exhibition L’Offesa at Ar/Ge Kunst reinterprets some of the works of artist Lucia Marcucci (Florence, 1933) created since the 1960s, exploring the verbo-visual side of aural poetry, cine-poetry and non-linear editing techniques, also through the contribution of a number of contemporary voices (Wissal Houbabi, Elena Biserna and Annamaria Ajmone with Laura Agnusdei).
It was 1964 when artist Lucia Marcucci (Florence, 1933) created the work Il fidanzato in fuga: a collage on cardboard depicting three freestanding spacesuits, as if attached to clothes hangers, bodyless. The collage reads: “Paradiso extraterrestre della donna, il fidanzato in fuga nello spazio” (“A woman’s extra-terrestrial paradise: a boyfriend on the run in space”). An ironic and provocatory phrase, denouncing the condition of contemporary women and showcasing their need for freedom and transgression, from within a society obsessed with scientific and technological progress and during the time in constant ascent towards the ‘conquest’ of space. The following year, as part of Gruppo ’70, with Eugenio Miccini, Lamberto Pignotti and Antonio Bueno, Lucia Marcucci put up posters and then ripped them, including the poster L’Offesa, during their poetry shows Poesie e no (1964–1967). These were a series of multimedia happenings featuring poems as well as non-literary material. The events, particularly Poesie and no 3 (1965), drew on a range of languages – poetry readings, newspaper columns, slogans, extracts from novels, experimental film screenings and other ephemeral and volatile actions – to the music of Giuseppe Chiari. It was all put together within a Cubist-style collage of words and recitals, clips, scraps and offcuts, moving away from the linear construction of content.
Lucia Marcucci stood out by virtue of her table-turning of the poetic word, which became part of the feminist struggles in the 1960s. What the artist defines as “returning the lexicon to sender” means exploiting language with irony to pursue a critical redemption of stereotypes, of gender and the assumptions regulating representation of the female body, and of the forms and habits imposed upon it by capitalist society. like in Lucia Marcucci’s work, the word is brought back to the streets, squares and venues where civic relations might established, and bodies along with them.
On the occasion of the artist’s ninetieth birthday, the exhibition L’Offesa at Ar/Ge Kunst retraces some of the artist’s works from the 1960s up to the 1990s on loan from the Lucia Marcucci Archive and the Frittelli Arte Contemporanea. The exhibition re-examines how speech, advertising, media and paper were questioned in the 1960s and 1970s through militant practices intensifying verbal and bodily presence.
The exhibition L’Offesa at Ar/Ge Kunst also develops a critical reflection on the contemporary sphere by placing some of Lucia Marcucci’s works in dialogue with the voices of other artists. The artist Wissal Houbabi brings an audio-visual and installation work into the space of dissent and struggles in today’s society; Elena Biserna with the scores of The Resounding Flâneuse and the Feminist Steps walk (9–10 June 2023, Bolzano), explores the (auditory) experiences of the nocturnal city from a gender perspective. And as part of Bolzano Danza, the dancer Annamaria Ajmone and the musician Laura Agnusdei present Bleah!!! (20–21 July 2023, Parco dei Cappuccini, Bolzano): a performance that blends gesture and sound, working on assemblages and table-turning of the temporal, spatial and authorial levels. On this occasion, a number of unknown texts by Lucia Marcucci will be published as part of Ar/Ge Kunst’s publishing series Novellas.
The Ar/Ge Kunst show is further complemented by the exhibition Lucia Marcucci. Poesie e no at Bolzano’s Museion, curated by Frida Carazzato. The two solo shows revolve around the experience that gave rise to the Poesie e no happenings. The collage of visual and linguistic signs that characterises this series of performances allows the two institutions to explore two complementary strands of Marcucci’s work: on the one hand the investigation of language starting with the critique of consumer society that finds space in Museion, and on the other, the presence of the word and body in social militancy, through the interpretation further implemented by other contemporary voices in the Ar/Ge Kunst show.
On the occasion of the two exhibitions, the visual communication workshop (Exhibition Graphic Design: processes of cultural practice) of the Faculty of Design and Art of the Free University of Bolzano (lecturer and workshop leader Elisa Pasqual, with Gianluca Camillini and Gerhard Glüher), has developed seven communication projects that expand on themes found in the work of Lucia Marcucci and the Gruppo ’70 in a contemporary key. The workshop-exhibition will open on 9 June at 6 pm at the Free University of Bolzano.
This focus on Marcucci’s work is complemented by the exhibition Ri-Materialisation of Language at the Fondazione Antonio dalle Nogare, which hosts some of her works. On 09.06. at 20 there will be a talk by the artist Nora Turato inside this exhibition.
09.06 at 6.30 pm, opening of the exhibition Lucia Marcucci,L’Offesa at Ar/Ge Kunst
09.06 and 10.06 at 9 pm, collective walk Elena Biserna, Feminist Steps (max 15 people, pre-booking required by writing to: info@argekunst.it) at Ar/Ge Kunst
13.07 at 7 pm, dialogic guided tour by both the Museion and Ar/Ge Kunst curators
20.07 and 21.07 at 8 pm, performance by Annamaria Ajmone and Laura Agnusdei as part of Bolzano Danza (Parco dei Cappuccini, Bolzano)
21.07 at 5 pm, talk with Annamaria Ajmone and Laura Agnusdei, with guided tour of the exhibition
Lucia Marcucci – Il fidanzato in fuga (1964)
Die Ausstellung L’Offesa in der Ar/Ge Kunst wirft einen neuen Blick auf mehrere seit den 1960er-Jahren entstandene Werke der Künstlerin Lucia Marcucci (*1933, Florenz), die sich mit verbo-visuellen Aspekten der auditiven Poesie, der Kinopoesie und nicht-linearer Montagetechniken auseinandersetzen. In diesem Zusammenhang werden auch die Beiträge einiger Stimmen der Gegenwart vorgestellt (Wissal Houbabi, Elena Biserna und Annamaria Ajmone mit Laura Agnusdei).
Im Jahr 1964 gestaltete Lucia Marcucci auf Karton die Collage Il fidanzato in fuga. Darauf dargestellt sind drei aufrecht stehende Raumanzüge, die aufgehängt sind wie Marionetten, aber ohne Körper. Collagiert ist zu lesen: „Paradiso extraterrestre della donna, il fidanzato in fuga nello spazio“ (Das außerirdische Paradies der Frau, der Verlobte auf der Flucht ins All) Ein so ironischer wie provokanter Satz, der die Befindlichkeit der zeitgenössischen Frau spiegelt und ihren Anspruch auf Freiheit und Überschreitung in einer Gesellschaft betont, die besessen war von Wissenschaft, Technologie und Fortschritt und sich zur damaligen Zeit in einem kontinuierlichen Aufstieg hin zur „Eroberung“ des Weltraums wähnte. Im darauffolgenden Jahr hängte die Künstlerin – als Teil des Gruppo ’70 – zusammen mit Eugenio Miccini, Lamberto Pignotti und Antonio Bueno Plakate auf, nur um sie anschließend zu zerreißen, so geschehen etwa mit der Arbeit L’Offesa im Zuge ihrer gemeinsam aufgeführten Poesie-Spektakel Poesie e no (1964–1967). Dabei handelte es sich um eine Reihe multimedialer Happenings unter Einbeziehung von Gedichten sowie Matrixmaterialien außerliterarischer Herkunft. Im Rahmen dieser Veranstaltungen, allen voran Poesie e no 3 (1965), verbanden sich verschiedene Formen von Sprache: das Vorlesen von Gedichten, Zeitungskolumnen, Slogans und Romanauszügen mit der Vorführung experimenteller Filme und weiteren ebenso flüchtigen wie vergänglichen Aktionen zur Musikbegleitung Giuseppe Chiaris. Dies alles fügte sich zu einer kubistischen Collage, bestehend aus Wörtern und Rezitationen, Ausschnitten, Fragmenten, Schnipseln und Überbleibseln, die sich von einer linearen Konstruktion der Inhalte entfernen.
Lucia Marcuccis Werk zeichnet sich durch eine Umkehrung des poetischen Wortes aus, die auch Eingang in die feministischen Kämpfe der 1960er-Jahren fand. Wenn die Künstlerin davon spricht, „das Lexikon an den Absender zurückzusenden“, so bedeutet das, über einen ironischen und kritischen Gebrauch von Sprache eine Befreiung von Geschlechterstereotypen, von Annahmen über die Darstellung des weiblichen Körpers ebenso wie von aufoktroyierten Praktiken und Gewohnheiten der kapitalistischen Gesellschaft zu erreichen. Lucia Marcucci bringt das Wort wieder auf Straßen und Plätze, in Leben und Orte, an denen Zivilbürgerschaft stattfindet, und mit ihr der Körper.
Anlässlich des 90. Geburtstags der Künstlerin zeigt die Ar/Ge Kunst in der Ausstellung L’Offesa mehrere Werke Marcuccis aus den 1960er- bis 1990er-Jahren, die von ihrem Archiv sowie der Frittelli Arte Contemporanea (Florenz) als Leihgaben zu Verfügung gestellt wurden. Die Schau stellt vor Augen, wie Sprache, Werbung, Medien und Papier in den 1960er- und 1970er-Jahren von einer militanten Praxis auf den Prüfstand gestellt wurden, die auf verbale und physische Gegenwart setzte.
Darüber hinaus unternimmt die Ausstellung L’Offesa eine kritische Reflexion aus aktueller Warte, indem sie einige Werke Lucia Marcuccis in einen Dialog mit den Stimmen anderer Künstler*innen stellt. So bringt etwa Wissal Houbabi eine audiovisuelle Installation in den Raum des Dissenses und der Kämpfe unserer heutigen Gesellschaft ein; Elena Biserna erkundet mithilfe der Partituren The Resounding Flâneuse und dem Spaziergang Feminist Steps (9./10. Juni 2023, Bozen) die (Hör-)Erfahrungen der nächtlichen Stadt aus einer geschlechtsbezogenen Perspektive; und im Rahmen von Bolzano Danza zeigen die Tänzerin Annamaria Ajmone und die Musikerin Laura Agnusdei die Geste und Klang verbindende Partitur Bleah!!! (20./21. Juli 2023, Kapuzinerpark, Bozen), die mit Assemblagen und dem Durchbrechen zeitlicher, räumlicher wie auktorialer Zusammenhänge arbeitet. Aus diesem Anlass veröffentlicht die Ar/Ge Kunst auch einige bislang unveröffentlichte Texte Lucia Marcuccis in der Publikationsreihe Novellas.
Die Ausstellung in der Ar/Ge Kunst wird ergänzt durch die von Frida Carazzato kuratierte Schau Lucia Marcucci. Poesie e no im Museion in Bozen. Beide Einzelpräsentationen kreisen um Erfahrungen, die zur Entstehung des Happenings Poesie e no geführt haben. Die mehrfach aufgeführte Performance zeichnet sich durch eine collageartige Nebeneinanderstellung visueller und sprachlicher Zeichen aus und wird für beide Einrichtungen zum Ausgangspunkt, um jeweils komplementäre Stränge von Marcuccis Œuvre zu beleuchten: So findet die in einer Kritik an der Konsumgesellschaft wurzelnde Untersuchung von Sprache ihren Raum im Museion, während die Gegenwart von Wort und Körper im Aktivismus eine Re-Lektüre auch durch zeitgenössische Stimmen in der Ar/Ge Kunst erfährt.
Anlässlich beider Ausstellungen hat zudem der Workshop für visuelle Kommunikation „Grafikdesign für Ausstellungen: Prozesse kultureller Praxis“ (geleitet von der Dozentin Elisa Pasqual in Zusammenarbeit mit Gianluca Camillini und Gerhard Glüher) an der Fakultät für Design und Künste der Freien Universität Bozen sieben Kommunikationsprojekte entwickelt, die Themen im Werk Lucia Marcuccis und des Gruppo ‘70 aus heutiger Sicht aufgreifen. Die Workshop-Ausstellung eröffnet am 9. Juni um 18 Uhr in der Freien Universität Bozen.
Der Fokus auf Marcuccis Werk wird zudem ergänzt durch die Ausstellung Re-Materialisierung der Sprache in der Fondazione Antonio Dalle Nogare, in der auch einige Werke der Künstlerin zu sehen sind. In diesem Rahmen findet am 09.06. um 20 Uhr ein Vortrag der Künstlerin Nora Turato statt.
Kuratiert von Francesca Verga und Zasha Colah
Ar/Ge Kunst, Bolzano/Bozen, 09.06. – 29.07.2023
Programm:
09.06.2023 18:30 Uhr Eröffnung der Ausstellung Lucia Marcucci. L’Offesa in der Ar/Ge Kunst
09.06.2023 und 10.06. 21:00 Uhr Walk Feminist Steps von Elena Biserna (max. 15 Personen, Anmeldung erforderlich unter: info@argekunst.it) in der Ar/Ge Kunst
13.07.2023 19:00 Uhr Dialogführung mit den Kuratorinnen des Museion und der Ar/Ge Kunst
20.07.2023 und 21.07. 20:00 Uhr Performance von Annamaria Ajmone und Laura Agnusdei im Rahmen von Bolzano Danza (Kapuzinerpark, Bozen)
21.07.2023 17:00 Uhr Gespräch mit Annamaria Ajmone und Laura Agnusdei sowie Führung durch die Ausstellung
La mostra L’Offesa ad Ar/Ge Kunst rilegge alcuni lavori dell’artista Lucia Marcucci (Firenze, 1933), realizzati a partire dagli anni Sessanta, sul versante verbo-visuale della poesia auditiva, della cinepoesia e delle tecniche di montaggio non-lineari, anche attraverso il contributo di alcune voci contemporanee (Wissal Houbabi, Elena Biserna e Annamaria Ajmone con Laura Agnusdei).
Nel 1964 Lucia Marcucci crea il lavoro Il fidanzato in fuga, un collage su cartoncino che raffigura tre tute spaziali che si reggono in piedi da sole, come agganciate a dei manichini, senza corpo. Il collage recita: Paradiso extraterrestre della donna, il fidanzato in fuga nello spazio. Una frase ironica e provocatoria che denuncia la condizione della donna contemporanea e porta avanti la sua esigenza di libertà e trasgressione, all’interno di una società ossessionata dai progressi scientifici e tecnologici e a quel tempo in costante ascesa verso la “conquista” dello spazio. L’anno seguente, Lucia Marcucci, come parte del Gruppo ’70, con Eugenio Miccini, Lamberto Pignotti e Antonio Bueno, affigge manifesti per poi strapparli, come il manifesto L’Offesa, durante le loro poesie-spettacolo Poesie e no (1964-1967). Si tratta di una serie di happening multimediali contenenti poesie e materiali di matrice extra-letteraria. Questi eventi, in particolare Poesie e no 3 (1965), coinvolgevano diversi linguaggi: letture di poesie, rubriche giornalistiche, slogan, estratti di romanzi, proiezione di film sperimentali, e altre azioni effimere e volatili sotto le musiche di Giuseppe Chiari. Il tutto assemblato in un collage cubista di parole e recite, spezzoni, ritagli, scarti e rifiuti, che si allontana da una costruzione lineare dei contenuti.
Lucia Marcucci – Il fidanzato in fuga (1964)
Lucia Marcucci si è distinta per il rovesciamento della parola poetica, che è diventata parte delle lotte femministe negli anni Sessanta. Quello che l’artista definisce come “rispedire il lessico al mittente” significa portare avanti, attraverso l’apporto di ironia nel linguaggio, un riscatto critico sugli stereotipi, sul genere e gli assunti che regolavano la rappresentazione del corpo femminile, sulle forme e abitudini imposte dalla società capitalistica. L’opera di Lucia Marcucci riporta la parola nelle strade, nelle piazze, nelle vie e nei luoghi dove si svolgeva la relazione civica, e con essa i corpi.
Per il novantesimo compleanno dell’artista, la mostra L’Offesa ad Ar/Ge Kunst ripercorre alcuni lavori di Marcucci realizzati tra gli anni Sessanta e gli anni Novanta in prestito dall’Archivio di Lucia Marcucci e dalla Galleria Frittelli Arte Contemporanea. La mostra affronta come la parola, la pubblicità, i media e la carta sono state messe in discussione negli anni Sessanta e Settanta attraverso una pratica militante che intensifica la presenza verbale e corporale.
La mostra L’Offesa ad Ar/Ge Kunst sviluppa inoltre una riflessione critica sulla contemporaneità mettendo alcune opere di Lucia Marcucci in dialogo con le voci di altre artiste. L’artista Wissal Houbabi porta un lavoro audio visuale e installativo nello spazio del dissenso e delle lotte antirazziali dell’attuale società; Elena Biserna con le score The Resounding Flâneuse e la passeggiata Feminist Steps (9-10 giugno 2023, Bolzano), esplora le esperienze (uditive) della città notturna da una prospettiva di genere; all’interno di Bolzano Danza, la danzatrice Annamaria Ajmone e la musicista Laura Agnusdei presentano Bleah!!! (20-21 luglio 2023, Parco dei Cappuccini, Bolzano) una partitura che mescola gesto e suono lavorando su assemblaggi e ribaltamenti sul piano temporale, spaziale, autoriale. In questa occasione, vengono pubblicati alcuni testi inediti di Lucia Marcucci nella serie di pubblicazioni di Ar/Ge Kunst Novellas.
Lucia Marcucci, Bleah!!! (1967)
La mostra ad Ar/Ge Kunst si completa con la mostra Lucia Marcucci, Poesie e no presso Museion, Bozen/Bolzano, curata da Frida Carazzato. Le due personali gravitano intorno all’esperienza che ha dato vita all’happening di Poesie e no. Il collage di segni visivi e linguistici che caratterizza questa serie di performance permette alle due istituzioni di sviluppare due filoni complementari del lavoro di Marcucci: da una parte l’indagine sul linguaggio a partire dalla critica alla società dei consumi che trova spazio a Museion, dall’altra la presenza del verbo e corpo nella militanza, attraverso una lettura attuata anche da voci contemporanee nella mostra ad Ar/Ge Kunst.
Lucia Marcucci – Io sarò, qui, poeta (1995)
In occasione delle due mostre, il laboratorio di comunicazione visiva (Exhibition Graphic Design: processes of cultural practice) della Facoltà di Design e Arti della Free Università di Bozen-Bolzano (docente e workshop leader Elisa Pasqual, con Gianluca Camillini e Gerhard Gluher), ha sviluppato sette progetti di comunicazione che espandono in chiave contemporanea temi presenti nel lavoro di Lucia Marcucci e del Gruppo ‘70. La mostra del laboratorio inaugurerà il 9 giugno alle 18:00 alla Free Università di Bozen-Bolzano.
A completamento del lavoro di Marcucci, si segnala inoltre la mostra Ri-Materializzazione del Linguaggio presso la Fondazione Antonio dalle Nogare, Bolzano, che ospita delle sue opere. Il giorno 09.06. alle ore 20.00 si svolge inoltre un talk dell’artista Nora Turato a conclusione di questa mostra.
Programma di Alessandra Tortosa che tratta temi storico, artistici e di costume dell’Alto Adige. Analizza i diversi aspetti culturali del nostro territorio e ne racconta la storia. Avvalendosi anche di musiche di autori locali propone itinerari naturalistici e artistici, infine presenta piccoli “tesori” dell’archivio Rai. | Rai Alto Adige Südtirol | Bolzano | 2023
Lucia Marcucci – Poesia (1965)
Due mostre dedicate a Lucia Marcucci, una delle maggiori esponenti italiane della Poesia Visiva, in occasione del suo novantesimo compleanno: al Museion e ad Ar/Ge Kunst; saranno presenti le curatrici Frida Carazzato, Francesca Verga e Zasha Colah, l’artista Wissal Houbabi e la docente della Lub Elisa Pasqual.
Il Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci presenta Eccentrica. Le collezioni del Centro Pecci: un percorso spiazzante, aperto al pubblico a partire dal 6 maggio 2023, che rilegge le opere raccolte dal Centro, selezionandone oltre 50 tra le circa 1200 acquisite o donate dal 1988 a oggi. Fontana,Boetti, Warhol, Richter, Kounellis, Bonvicini, Schnabel e Fumai, questi alcuni dei grandi artisti presenti nella collezione.
Per la prima volta un’ala degli spazi espositivi viene dedicata in modo permanente alla presentazione delle collezioni. Firma il progetto del display lo studio Formafantasma secondo criteri di sostenibilità e accessibilità, tematiche che ispirano l’azione di direzione artistica nella proposta del Centro. L’Ala grande Nio (dall’architettura realizzata nel 2016 da Maurice Nio) si trasforma così in un luogo ancora più inedito per vivere il Centro Pecci, raccontare Prato e conoscere l’arte contemporanea dal dopoguerra a oggi.
Artisti in esposizione: Vito Acconci, Archizoom, Stefano Arienti, Massimo Bartolini, Mirella Bentivoglio, Edo Bertoglio, Alighiero Boetti, Monica Bonvicini, Giulia Cenci, Daniela De Lorenzo, Sylvie Fleury, Lucio Fontana, Chiara Fumai, Marco Gastini, Nan Goldin, Dmitri Gutov, Ilya Kabakov, Anish Kapoor, Kinkaleri, Jannis Kounellis, Ketty La Rocca, Nanda Lanfranco, Paul Etienne Lincoln, Jacques Lipchitz, Francesco Lo Savio, Lucia Marcucci, Silvia Mejía, Verita Monselles, Liliana Moro, Robert Morris, Mimmo Paladino, Gianni Pettena, Gerhard Richter, Julian Schnabel, Superstudio, Francesco Torrini, UFO, VALIE EXPORT, Andy Warhol.
Lucia Marcucci – Un proverbio cinese (1964)
A cura di Stefano Collicelli Cagol
Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, 6 maggio – 15 ottobre 2023
APALAZZOGALLERY è lieta di presentare Il Significato della Poesia, prima personale in galleria dell’artista Lucia Marcucci (Firenze, 1933), che apre al pubblico mercoledì 24 maggio 2023. La mostra comprende opere storiche che datano dai primi anni Settanta, fino ad arrivare a lavori recenti degli anni Duemila e a opere su carta di soggetto sacro che raramente hanno fatto la loro comparsa nelle mostre di Marcucci. Gli stendardi così come i manifesti pubblicitari creati con la tecnica del collage sono protagonisti della rinnovata critica alla società contemporanea, sfruttando l’ironia della Poesia Visiva. Sono presenti in mostra anche i celebri libri oggetto/soggetto realizzati tra gli anni Novanta e inizio anni Duemila, che si pongono a metà tra le opere su carta e l’oggetto libro, coscienti della mutazione del linguaggio. La parola, così presente nelle opere a parete di Marcucci, diventa nei libri quasi assente, per lasciare posto a colori vivissimi e a forti elementi scultorei.
Lucia Marcucci – Il significato della poesia (2006)
“Nei miei intendimenti l’opera doveva essere un “volgare” il più vicino al mondo d’oggi, un “volgare” però carico, pregnante, politicizzato, guerrigliero, scomodo. L’opera riunificatrice degli opposti ma nello stesso tempo enorme carica esplosiva, accusatrice e giustiziera. L’opera some sintesi e mistero ma generatrice di forme simboliche che possano muovere, irritare, creare scompiglio. L’opera come infiltrazione in tutte le fenditure possibili, a coprire il più piccolo pertugio. Strategia e guerriglia a coprire il possibile scoperto. Attraverso l’opera ridefinirsi infine come facenti parte di una cultura dinamica, una cultura che tagli i ponti con le tradizioni, i ruoli imposti, una cultura che tragga dal passato ciò che le possa servire per muoversi e, se il passato è maschile e classico, umanistico, illuminista, romantico, funzionalista, costruttivista, ecc., ebbene estrapoliamo ciò che serve e andiamo avanti, considerando questo “maschile rigido” come vecchio, indebolito, ripetitore del proprio riflesso, mestatore di riti e di miti che hanno già cominciato a non appartenergli più. Affondare a piene mani nella cultura e cambiarla di segno, in quella cultura pagata a caro prezzo per lo stratagemma dell’eccezionalità, della decontestualizzazione sempre effettuata; trarre da quei codici un linguaggio di segno contrario, rivisitando tutti i luoghi del martirio, rivivendo positivamente il fuoco dei roghi.” [Lucia Marcucci, 1988]
LUCIA MARCUCCI 