LUCIA MARCUCCI

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Lucia Marcucci (Firenze, 1933) è una delle principali esponenti del Gruppo 70, movimento nato a Firenze negli Anni Sessanta. L’obiettivo del Gruppo 70 è stato quello di rivalutare la parola in un momento in cui si assisteva allo sviluppo massiccio dei mass media.

Nelle opere di Lucia Marcucci si mescolano slogan estrapolati dai media e immagini che determinano un potente effetto evocativo. Un approccio con cui l’artista riscrive la realtà attraverso una denuncia che spazia dal ruolo delle donne, in netta opposizione a una società di stampo patriarcale, alla rivendicazione di libertà e pace, evidenziando i controsensi delle guerre.

Lucia Marcucci ha partecipato a varie rassegne internazionali tra cui la Biennale di Venezia (1972, 1978, 2009 e 2011) e la Quadriennale di Roma (1986). Ha inoltre preso parte ad esposizioni curate da nomi di spicco nel campo dell’arte quali Renato Barilli, Gillo Dorfles e Achille Bonito Oliva.

Lucia Marcucci – Braque: datemi il mio blu (1964)

La Galleria degli Uffizi ha acquisito la sua opera Autoritratto (Perfection) inserita nella Collezione di Autoritratti degli Uffizi. Altri importanti musei hanno opere della Marcucci nelle collezioni, tra cui il MART Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea a Roma, “Imago Mundi” Collezione Luciano Benetton a Treviso e il Centro per l’arte contemporanea Pecci di Prato.

Lucia Marcucci – Prima linea (1965)

Per la casa di moda Dior Lucia Marcucci ha ideato l’opera Vetrata di poesia visiva, una grande installazione che ha trasformato l’ambiente della sfilata prêt-à-porter in un maestoso palco con immagini colorate e luce, richiamando la dimensione sacra delle finestre con vetrate policrome delle cattedrali gotiche. Le finestre contemporanee, ideate da Lucia Marcucci, si componevano di immagini pop moderne che dialogavano con capolavori della storia dell’arte, da Giotto a Piero della Francesca, da Georges de La Tour a Claude Monet, creando associazioni che mettono l’artista al centro del dibattito sul nuovo femminismo e la comunicazione nell’ambito della rivoluzione digitale. Immagini di lavori di Lucia Marcucci sono state usate per gli abiti delle coriste presenti sul palco.

Lucia Marcucci – Delicatamente (1965)

A Žilina, nell’esposizione che è una delle iniziative di maggior rilievo della 15° edizione del festival italiano in Slovacchia “Dolce Vitaj”, saranno presentate altresì delle opere vicine a quanto visto a Parigi, nella sfilata di Dior.

Curatore: Simone Frittelli

Považská Galéria Umenia, Žilina (Slovacchia): 26 maggio – 02 luglio 2022

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VITA NUOVA: NEW ISSUES FOR ART IN ITALY 1960-1975

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For the first time in France since 1981, the MAMAC of the city of Nice presents a major project dedicated to the Italian art scene between 1960 and 1975. Bringing together 130 works by 60 artists, “Vita Nuova” offers an unprecedented perspective on a major art scene.

“Vita Nuova. New issues for art in Italy 1960-1975” aims to uncover the extraordinary vivacity of artistic creation in Italy between 1960 and 1975, whose diversity remains very little known in France – with the exception of the works of Arte Povera artists. Between the early 1960s and mid 1970s, Italy experienced a particularly fertile and exceptional period, inextricably linked to the richness of cinema and literature of the period. Paradoxically, since the exhibition held at the Centre Pompidou National Museum of Modern Art (Paris) in 1981 – “Identité italienne. L’art en Italie depuis 1959”, curated by Germano Celant (1940-2020) – there has been no major overview of this remarkable art scene in France. Between the early 1960s and mid 1970s, Italy experienced a particularly fertile and exceptional period, inextricably linked to the richness of cinema and literature of the period. Paradoxically, since the exhibition held at the Centre Pompidou National Museum of Modern Art (Paris) in 1981 – “Identité italienne. L’art en Italie depuis 1959”, curated by Germano Celant (1940-2020) – there has been no major overview of this remarkable art scene in France. Curated by Valérie Da Costa, art historian, specialist in Italian art, “Vita Nuova. New issues for art in Italy 1960-1975” makes up for this historical gap, offering an unprecedented take on these fifteen years of creation from 1960 – which corresponds to the first exhibitions of a new generation of artists (born between the years 1920 and 1940) active in Genoa, Florence, Milan, Rome and Turin – to 1975, a year marked by the tragic death of the writer, poet and director Pier Paolo Pasolini (1922-1975). The year 2022 marks the centenary of his birth.

This generation of artists offered up new ways of understanding and making art: they illustrated a form of vita nuova (“new life”) – a title borrowed from Dante’s eponymous book (Vita Nova) which, while serving as an ode to love, asserts a new way of writing – marking Italian art in this period and contributing to its international recognition. During the 1960s and 1970s, Italy’s transformation (industrialism, consumer society, political instability, etc.) resulted in new modes of representation. It is this historical and political context that forms the background of this exhibition. This exhibition adopts on a resolutely thematic approach and is organised around three key topics: A society of images, Reconstructing nature and The body’s memory, all considered in a porous and cross-cutting nature, in order to demonstrate the circulation of artists, forms and ideas between visual, ecological and corporeal issues. The exhibition aims to present a diverse, non-exhaustive artistic landscape, composed of a selection of artists – some of whom have been forgotten in the world of Italian art (particularly with regard to female artists) – whose work is exhibited for the first time in France and has been recently rediscovered in their own country. Developed as a multidisciplinary exhibition, “Vita Nuova” explores the links that have been established simultaneously between visual creation, design and cinema. The exhibition aims to present a diverse, non-exhaustive artistic landscape, composed of a selection of artists – some of whom have been forgotten in the world of Italian art (particularly with regard to female artists) – whose work is exhibited for the first time in France and has been recently rediscovered in their own country. The exhibition presents 60 artists, including many women artists, through a selection of 130 works and archival documents from Italian and French, public and private collections.

A SOCIETY OF IMAGES

During the 1960s and 1970s, Italy’s transformation (economic miracle, industrialism, consumer society, political instability, etc.) resulted in new modes of representation. Italian cinema was in its golden age. With the Cinecittà studios, Rome was nicknamed “Hollywood on the Tiber”. Cinema stars entered the world of the canvas, while artists used cinema in their works. The image of the woman, advertising, television, cinem a and the artistic heritage of Antiquity and the Renaissance, together with the contemporary city and questions of sexuality and gender, all became subjects to be explored. This effervescence would be counterbalanced at the end of the 1960s by increased political a nd social tensions (events in the spring of 1968, strikes in the autumn of 1969, the attack on the Piazza Fontana in December 1969, the Borghese coup d’état in 1970, etc.), eliciting a significant reaction among artists.

Vincenzo Agnetti, Franco Angeli, Gianfranco, Baruchello & Alberto Griffi, Gianfranco Baruchello, Tomaso Binga, Alighiero Boetti, Marisa Busanel, Lisetta Carmi, Luciano Fabro, Tano Festa, Giosetta Fioroni, Rosa Foschi, Jannis Kounellis, Sergio Lombardo, Ugo Nespolo, Renato Mambor, Lucia Marcucci, Titina Maselli, Fabio Mauri, Pier Paolo Pasolini, Michelangelo Pistoletto, Mimmo Rotella, Mario Schifano, Cesare Tacchi.

Lucia Marcucci – Miss Viaggio (1965)

RECONSTRUCTION NATURE

The theme of the “reconstruction of nature” (“ricostruzione della natura”) is borrowed from Pino Pascali, who affirmed its free interpretation in his works. In this highly industrialised world, the time had come to raise awareness about the excesses of our consumer society. Here, nature is represented as a resource and a central subject for certain artists who, seeking a form of degrowth, use it in their creations. As such, they develop various filmed actions that interact with natural elements (wind, sun, earth, sand and water), or even interpret it via primary and artificial materials to design sculptures and installations that recreate nature in its strictest elementarity. During these years, artists and desi gners shared a common interest in the forms of nature explored; this practice was all about bringing art into life.

Giovanni Anselmo, Archizoom, Pier Paolo Calzolari, Mario Ceroli, Piero Gilardi, Pietro Derossi con Giorgio Ceretti e Riccardo Rosso, Gino De Dominicis, Laura Grisi, Maria Lai, Mario Merz, Gina Pane, Luca Maria Patella, Claudio Parmiggiani, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Marinella Pirelli, Ettore Spalletti.

THE BODY’S MEMORY

“That which always speaks in silence is the body” (“Ciò che sempre parla in silenzio è il corpo”), wrote is memory Alighiero Boetti. The sculpture the trace of the body just as painting is movement. In Italy in the early 1970s, many artists used their bodies as an element of reference, measurement, distortion and performance, rather than as a single material with which to interact in contrast with the spectacular and exhibitionist themes of body art. These works are born from the body or evoke its memory from a more conceptual perspective. The body is also a political object that questions gender and history through a performative approach, whether personal or collective. For some artists, this participatory experience opens itself up to the public space, thereby rendering it a form of social art.

Carla Accardi, Vincenzo Agnetti, Giovanni Anselmo, Irma Blank, Claudio Cintoli, Giorgio Griffa, Paolo Icaro, Ketty La Rocca, Eliseo Mattiacci, Franco Mazzucchelli, Fabio Mauri, Marisa Merz, Ugo Nespolo, Luigi Ontani, Giulio Paolini, Luca Maria Patella, Carol Rama, Gilberto Zorio.

Curated by Valérie Da Costa

Project Manager: Laura Pippi-Détrey

Director of MAMAC: Hélène Guenin

Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain (MAMAC) – Nice (France) 14 May 2022 – 2 October 2022

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VITA NUOVA: NUOVE SFIDE PER L’ARTE IN ITALIA 1960-1975

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Questa mostra vuole rivelare l’incredibile vivacità della creazione artistica in Italia tra il 1960 e il 1975, una situazione artistica poco conosciuta in Francia, ad eccezione di alcuni artisti. L’Italia ha vissuto un periodo particolarmente fertile ed eccezionale dai primi anni ’60 alla metà degli anni ’70, legato indissolubilmente alla ricchezza del cinema e della letteratura di quegli anni. Tuttavia, dalla mostra tenuta al Musée national d’art moderne-Centre Pompidou (Parigi) nel 1981: « Identité italienne. L’art en Italie depuis 1959 » (“Identità italiana. Arte in Italia dal 1959”), curata da Germano Celant (1940-2020), non c’è stata una mostra in Francia che abbia offerto un panorama di questa scena artistica. Vita Nuova: Nouveaux enjeux de l’art en Italie 1960-1975 (Nuove sfide per l’arte in Italia 1960-1975) si propone di colmare questa lacuna storica e di mostrare in modo diverso questi quindici anni di creazione dal 1960, che corrisponde alle prime mostre di una nuova generazione di artisti (nati tra gli anni 1920 e 1940) attivi a Roma, Milano, Torino e Genova, al 1975, anno segnato dalla tragica morte dello scrittore, poeta e regista Pier Paolo Pasolini, di cui ricorre il centenario della nascita nel 2022. Questa nuova generazione di artisti è portatrice di nuovi modi di intendere e fare arte; illustra una forma di vita nuova – titolo preso in prestito dall’omonimo libro di Dante (Vita Nuova) che, pur essendo un’ode all’amore, afferma anche un nuovo modo di scrivere – che attraversa l’arte italiana di questi anni come una ventata di aria fresca e contribuisce al suo riconoscimento internazionale. Quindi, in relazione ai profondi cambiamenti nelle pratiche artistiche internazionali degli anni Sessanta, la cultura italiana è segnata da diverse questioni sociali e politiche che trovano eco nella creazione artistica. Negli anni Sessanta e Settanta, la trasformazione dell’Italia (industrializzazione, boom economico, società dei consumi, sviluppo dei mass media) ha portato a nuove modalità di rappresentazione (pittorica in particolare) che sono state influenzate dal cinema, dalla televisione, dalla stampa e dalla pubblicità, e ha cambiato il modo in cui gli artisti hanno rappresentato il loro tempo. Di fronte a questi sconvolgimenti sociali, alcuni artisti, con una coscienza ecologica, si rivolgono a una forma d’arte della decrescita scegliendo di guardare con attenzione alla natura che rappresentano con materiali primari o artificiali. Consapevoli di questi sconvolgimenti, investono anche il corpo, che appare come un medium che attraversa i processi creativi e coinvolge nuove tematiche partecipative, in particolare nello spazio pubblico. Tutte queste modalità espressive (pittura, scultura, collage, fotografia, video, performance, installazione ambiente) coprono questi anni segnati da impegni collettivi (Biennale di Venezia, Triennale di Milano del 1968) e dall’instabilità politica (attentati di Piazza Fontana a Milano nel 1969, Golpe Borghese (colpo di stato Borghese) a Roma nel 1970). La mostra, che non adotta un punto di vista cronologico ma tematico, è organizzata intorno a tre grandi temi considerati in modo poroso e trasversale per mostrare la circolazione di artisti, forme e idee tra questioni visive, ecologiche e fisiche. Concepita in modo multidisciplinare, la mostra, che riunisce 54 artisti, tra cui 17 donne, e più di 150 opere e archivi provenienti da collezioni private e pubbliche, mostra anche i legami che si sono stabiliti nello stesso periodo tra la creazione visiva, il design, la letteratura e il cinema.

UNA SOCIETA’ DELL’IMMAGINE

Questa prima parte mostra come, durante questi 15 anni, gli artisti hanno rappresentato la società italiana del loro tempo, che era in piena trasformazione: il boom economico degli annI ’60, l’epoca d’oro del cinema italiano e di Cinecittà, la rappresentazione delle donne, l’influenza della TV, la citazione della cultura italiana antica e rinascimentale. Ci porta fino alla fine degli anni ’60, quando la situazione politica del paese diventa instabile (attentati di Piazza Fontana a Milano nel 1969, golpe Borghese a Roma nel 1970, ecc.) Questa sezione sarà accompagnata da estratti di film di Michelangelo Antonioni, Federico Fellini e Pier Paolo Pasolini, ognuno dei quali rivela un aspetto diverso della società italiana degli anni ’60.

Vincenzo Agnetti, Franco Angeli, Gianfranco, Baruchello & Alberto Griffi, Gianfranco Baruchello, Tomaso Binga, Alighiero Boetti, Marisa Busanel, Lisetta Carmi, Luciano Fabro, Tano Festa, Giosetta Fioroni, Rosa Foschi, Jannis Kounellis, Sergio Lombardo, Ugo Nespolo, Renato Mambor, Lucia Marcucci, Titina Maselli, Fabio Mauri, Pier Paolo Pasolini, Michelangelo Pistoletto, Mimmo Rotella, Mario Schifano, Cesare Tacchi.

Lucia Marcucci – Miss Viaggio (1965)

INTERPRETARE LA NATURA

Questa seconda parte, che consiste in diverse installazioni di grandi dimensioni, si concentra sul modo in cui gli artisti italiani hanno interpretato la natura dalla prospettiva, per alcuni di loro, di considerazioni ecologiche. La questione dell’uso di materiali primari cosiddetti poveri o industriali per riprodurre la natura è al centro di questa questione, che evidenzia anche la questione del tempo dell’opera come oggetto di riflessione. Vengono mostrati diversi filmati di artisti che testimoniano le numerose azioni nella natura in Italia in quegli anni.

Giovanni Anselmo, Archizoom, Pier Paolo Calzolari, Mario Ceroli, Piero Gilardi, Pietro Derossi con Giorgio Ceretti e Riccardo Rosso, Gino De Dominicis, Laura Grisi, Maria Lai, Mario Merz, Gina Pane, Luca Maria Patella, Claudio Parmiggiani, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Marinella Pirelli, Ettore Spalletti.

MEMORIE DEI CORPI

La terza parte si occupa del posto diretto e indiretto del corpo nella creazione italiana di questi anni. Il corpo è intimamente legato alla scultura; è la memoria, la traccia, il gesto, come può essere anche per certe opere pittoriche. È anche l’oggetto di esperienze performative e partecipative le cui azioni sono conservate da fotografie, film e oggetti. Dal corpo come citazione, al corpo politico, al corpo frammentato e travestito, sono tutte queste memorie del corpo che sono chiamate in causa qui.

Carla Accardi, Vincenzo Agnetti, Giovanni Anselmo, Irma Blank, Claudio Cintoli, Giorgio Griffa, Paolo Icaro, Ketty La Rocca, Eliseo Mattiacci, Franco Mazzucchelli, Fabio Mauri, Marisa Merz, Ugo Nespolo, Luigi Ontani, Giulio Paolini, Luca Maria Patella, Carol Rama, Gilberto Zorio.

A cura di Valérie Da Costa

Project Manager: Laura Pippi-Détrey

Direttrice del MAMAC: Hélène Guenin

Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain (MAMAC) – Nice (France) 14 Mai 2022 – 2 October 2022

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Amazons of Pop! Women artists, superheroines, icons 1961-1973

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Amazons of Pop!
Women artists, superheroines, icons 1961-1973

About the exhibition

‘Art? Isn’t that a man’s name?’  
Andy Warhol

Bright colours, plastic and PVC, reduced forms, trivial and equally fetishized motifs from consumerism and advertising, mass media and comics, sexually permissive displays of femininity – this is Pop Art as we know it. But it can also be quite different: angry, daring, rebellious, openly erotic, subversively ironic as well as confrontational, inviting and activist. From the very beginning, self-confident and expressive female Pop artists shaped this art movement, which was for a long time dominated by men. The exhibition Amazons of Pop! challenges the traditional art historical canon of what is generally regarded as Pop Art. As feminist pioneers, female Pop artists with a lot of ‘Vroom, Bang, Ka-Pow! and Wham!’ questioned the traditional role of woman and muse. They worked autobiographically, often across genres as well as in different media, combining the bold aesthetics of a brave new world of commodities with the self-confident adoption of the new synthetic materials and technologies, while blending them with performance and also textile or paper crafts – for a long time ranked by art history as ‘low’ to even no art. From the early 1960s on, women artists unabashedly appropriated the broad repertoire of a metropolitan, consumer-oriented and media-reproduced awakening in order to challenge it in different ways and to take up their own unique positions within it: demonstratively approving like Sturtevant, openly provocative in their display of nudity and sexuality like Dorothy Iannone and Evelyne Axell, through demonstrative self-dramatization like VALIE EXPORT, or furious and explosive like Niki de Saint Phalle.

The exhibition, initiated by MAMAC Nice and previously shown at the Kunsthalle zu Kiel, anchors Pop Art in Europe, explores links with the North American movement, especially in New York, and also examines Austrian Pop Art tendencies at Kunsthaus Graz. At a time when the US economy was prospering, its big cities glittering with lights, Vienna remained a dark and dirty place, struggling with the consequences of the Second World War. Until 1973 the euphoric Pop Art movement manifested itself in Austrian art in a rudimentary, marginal way, at times subliminally – in the weightless and flattened body silhouettes of Kiki Kogelnik, for instance, and the erotic, dreamlike yet equally brutal woodcuts of Auguste Kronheim, the fragmented and re-arranged advertising images and abstract compositions of Ingeborg G. Pluhar or the parasitic projects of Angela Hareiter, whose experimental architectural approaches are located at the interface with art.

Amazons of Pop! shows in a comprehensive way just how complex and heterogeneous women artists’ contribution to the history of Pop Art is, also integrating conceptual, activist and performative approaches. At Kunsthaus Graz, the exhibition design exploits an intrinsic affinity with the origins of blob architecture and, with around 120 works by some 40 female artists, superheroes and icons from various media such as painting, installation, performance, sculpture and film, encourages visitors to immerse themselves in the female world of Pop and a period of social, technological and political upheaval. It supports the successive recognition and public awareness of female Pop artists as well as a reappraisal and reassessment of conventional art history – as initiated by exhibitions such as POWER UP – Female Pop Art​ at the Kunsthalle Wien in 2010 – and takes them a step further. 

With works by Evelyne Axell, Barbarella, Brigitte Bardot, Marion Baruch, Pauline Boty, Martine Canneel, Lourdes Castro, Judy Chicago, Chryssa, France Cristini, Christa Dichgans, VALIE EXPORT, Jane Fonda, Ruth Francken, Ángela García, Angela Hareiter, Jann Haworth, Dorothy Iannone, Jodelle & Pravda La Survireuse, Corita Kent, Kiki Kogelnik, Auguste Kronheim, Kay Kurt, Nicola L., Ketty La Rocca, Natalia LL, Milvia Maglione, Lucia Marcucci, Marie Menken, Marilyn Monroe, Isabel Oliver, Yoko Ono, Ulrike Ottinger, Emma Peel, Ingeborg G. Pluhar, Martha Rosler, Niki de Saint Phalle, Carolee Schneemann, Marjorie Strider, Sturtevant, Valentina Tereshkova, May Wilson.

Lucia Marcucci – Conservo il mio posto… (1972) © Riproduzione riservata

An exhibition by MAMAC Nice in collaboration with Kunsthalle zu Kiel and Kunsthaus Graz and the support of Manifesto Expo.

Curated by: Hélène Guenin, Géraldine Gourbe, Katrin Bucher Trantow, Barbara Steiner

Venue: Space02

Opening: 21.04.2022, 7 pm

Kunsthaus Graz: 24 April to 28 August 2022

IN FIERI (Il volo della Sciamana) – XLI

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L‘architetto, stressato dai numerosi e facoltosi committenti nobili e borghesi, ante e post guerra, che pretendevano ville super accessoriate, lussuose di marmi, stucchi e dorature, comprò un convento isolato, diroccato e cupo per divertirsi a costruirci intorno architetture immaginarie, prive di ogni supporto consolidante, tanto che dopo alcuni anni già rovinavano invase dall’acqua e dalle piante ma tant’è che così gli piaceva: avveniva proprio il contrario di ciò che aveva dovuto fare in tanta parte della sua vita. Il complesso era un materico collage di monumenti in dimensioni ridotte captati da tutte le parti del mondo, dei ricordi assemblati in un unico spazio, teatro della vita e percorso esoterico, che metafisicamente dava la sensazione di spiazzamento, di luogo fantastico, materia e antimateria, prospettiva e fuga, sonoro e tombale… alla sua morte successe il nipote che si mise di buona lena a sistemare ciò che stava per cadere, dovette cominciare a fare le fondamenta a ciò, dopodiché continuò e tuttora continua, attraverso gli innumerevoli disegni e schizzi lasciati dall’immaginifico architetto, a costruire la Città, questa opera in fieri, opera aperta, simbolica, gotica, labirintica… il Nipote si è totalmente immerso nella sua realizzazione, è divenuto lui stesso macchina per immani magnitudine simulacra, sempre all’opera con i suoi muratori, estate e inverno: la grande macchina si espande, prende vita, respira con gli ampi polmoni, con le bocche dei mascheroni occhieggianti nella cavea del teatro, nei riflessi metafisici degli interni, nei laghetti pieni di ninfee, con il verde dei prati circondati e costretti da improbabili colonnati; è follia e arte suprema, ambigua e accattivante, varia con la luce e l’ombra, con la luna e il sole, la pioggia, la neve e il vento. Piante sempreverdi e fiori magnifici coronano l’insieme. Tutta questa macchina viene trasportata idealmente da una immensa madre terra, dea ctonia che come una polena dal seno proteso fende l’aria verso l’est, ad aspettare il sole per poi congiungersi e spirare in esso arsa dalla passione. Frotte di turisti visitano il luogo, vittime ingenue del sarcasmo intelligente del Nipote che si prende immancabilmente, ma a buon fine, gioco di loro.

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IN FIERI (Il volo della Sciamana) – XL

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Imboccando una pista in disuso la si può percorrere con una certa difficoltà ma la meta è più vicina perché questa strada tutta buche e sassi è una scorciatoia per arrivare presto a quel vecchio borgo diroccato, invaso dall’edera e dalle ortiche le cui costruzioni in mattoni rossi oramai occhieggiano misteriosamente quasi si facessero largo a forza fra quell’intrico. Stormi di corvi parcheggiano su quelle rovinose cuspidi, poi si alzano improvvisamente in volo gracchiando a volontà e disegnando cerchi fra le nuvole basse. Greggi di turisti sono spaventati ma, con il naso all’insù, scattano immagini stupide, preziose testimonianze della loro insulsaggine e della loro idiota fiducia nei tour operators; già stanchi dei quattro passi che hanno dovuto fare per arrivare alle rovine, si raggruppano e si stringono tremanti, affamati e vocianti: chiedono acqua e salamini, patatine, birra, lasagne, vino, sedie e possibilmente anche letti. Non sanno, i meschini, cosa li aspetta: fra quelle rovine non c’è cibo, niente acqua, niente di niente, nemmeno un pisciatoio! Su molte pietre ci sono zecche a profusione lasciate dai ciuffi dei velli delle pecore, i malcapitati che si volessero sedere sarebbero assediati e succhiati da quei benedetti acari portatori di atroci malattie. Non che non lo meritassero stupidi e consumisti come sono, anzi più tormentati fossero e più contenti tornerebbero nelle loro case borghesi piene di fotografie, ricordini, rullini, CD, poster, ricamini, gingillini scaramantici. Un bel bestiario di sciocchezzuole! Così è, i tours cretini impazzano, sciami di zombi rimbecilliti invadono tutti i percorsi, le loro scorie intasano i tombini delle fogne, non c’è luogo risparmiato da questa peste, plastica e cacca, piscio e cartaccia, rullini e curegge… grassi culi imbottiti si srotolano per le strade, ciccia e involucri, cervellacci a pochi cents! Le rovine del vecchio borgo hanno, nonostante i piglianculi, resistito impavide all’assalto.

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